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El arte urbano de Axe Colours

Axe Colours es un Estudio de diseño y decoración con graffiti que nace en el año 2009 de la mano de Oriol Piquet y Adrià Bosch. Estos dos emprendedores de Barcelona interesados en la arquitectura, el diseño y las artes gráficas vieron la oportunidad de profesionalizar su hobbie. ¡Y vaya si lo han hecho! Algunos de sus grafitis son ya famosos a nivel internacional.

Los grafitis de Bosch de personajes de series tan famosas como series tan populares como ‘Breaking Bad’, ‘Juego de Tronos’ y ‘The Walking Dead’. así como de personajes vanagloriados de otros ámbitos como Pepe Rubianes, Michael Jackson, Leo Messi, etc., se han convertido en punto de atracción turística de la ciudad de Barcelona y otras ciudades en las que ha pintado. En Manhattan, por ejemplo. Pintoó a Frida Khalo y en Amsterdam, a Vincent Van Gogh.

Cuándo y cómo Axe Colours

Adrià (Smaug) y Oriol (Gúma) son amigos de infancia empezaron a pintar en el año 1.999 en Barcelona. Y, como hemos apuntado en el párrafo introductorio, el año 2009 vieron la oportunidad de dedicarse profesionalmente al diseño y decoración de negocios y particulares con la técnica del graffiti.

Así nació Axe Colours, con un primer graffiti de homenaje al humorista galaico catalán Pepe Rubianes y el primer trabajo en el Parque de atracciones Tibidabo. Desde entonces han pintado muchas persianas, murales e interiores en Barcelona llegando a pintar el Túnel de Vestuarios del Camp Nou del Futbol Club Barcelona en el año 2015.

En estos años, Oriol ha decidido dedicarse exclusivamente a su carrera de arquitecto en Londres y Hong Kong, donde reside actualmente, y Adrià se dedica plenamente a Axe Colours y empieza a pintar una serie de retratos de personajes de series de TV repartidas por Barcelona con un estilo muy colorista y absolutamente reconocible.

Algunas de las obras más conocidas de Axe Colours

Juego de tronos

Si eres fan de esta famosa serie de HBO tienes una parada obligatoria en la calle Montmany, número 15 para ver a a Jon Snow. Y a solo una calle, en Bruquiner número 2, encontrarás Khaleesi,.

Breaking bad

Una de las obras más famosas de Bosch es Walter White, alias Heisenberg. Ésta está situada en la calle Verntallat esquina con Providencia.

The Walking Dead

En pleno centro de la Vila de Gracia, nos encontramos, en la calle Asturias número 49, a Rick Grimes. Y un poco más arriba, en la calle Manrique de Lara número 10, está Daryl Dixon.

Cursos online para aprender a dibujar  

 

La ilustración se encuentra en un momento álgido gracias a las redes sociales y las nuevas tecnologías, los espacios perfectos en los que llegar a un público mucho más amplio que hace unos años. De hecho, los estudios relacionados con el mundo del diseño, la ilustración y las artes son cada vez más demandados. La mayoría de las veces les pica el gusanillo de la ilustración a personas que ya están formadas en otros campos, por eso cada vez con más frecuencia son muchos los que se deciden a realizar cursos online para aprender a dibujar. Una manera virtual de asistir a clase sin dejar de lado el resto de obligaciones

 

El aprendizaje virtual de los cursos online

 

Los cursos online permiten realizar un seguimiento de las clases y de la formación sin necesidad de acudir presencialmente a un espacio con un horario concreto. Esto puede parecer complicado cuando hablamos de dibujo, pero hay que tener en cuenta que en todos los cursos existe una parte teórica imprescindible para desarrollar el resto de acciones.

 

Las ventajas de dibujar

 

Dibujar es un arte que no solo aporta beneficios a nivel emocional para todos aquellos que lo utilizan como una forma de expresarse, también tiene otras ventajas, tanto físicas como psicológicas:

 

  • Mejora las habilidades motoras. En niños ayuda al desarrollo de la motricidad y en adultos permite que mantengan su agilidad y destreza manual.
  • Actividad relajante. Dibujar es poner atención a aquello que estamos recreando, un momento en el que, sin quererlo, nos abstraemos del mundo exterior y solo queda el de nuestra imaginación haciéndose realidad sobre el papel.
  • Desarrollo de la sensibilidad artística. Dibujando se aprenden técnicas, se adquiere visión, y en definitiva, se aprende a interpretar trazos, colores, figuras, escenas…
  • Cultura general. Apuntarse a un curso de dibujo también supondrá incrementar tus conocimientos sobre historia del arte, no únicamente a nivel de obras y sus autores, si no también de las técnicas y movimientos a lo largo de los siglos.
  • Terapia. Dibujar es también una forma de expresar nuestros sentimientos y reconciliarnos con la vida.

 

¿Dónde encontrar cursos online para dibujar?

 

En internet existen multitud de opciones diferentes, desde tutoriales gratuitos en Youtube, a cuentas de Instagram que comparten tips básicos y otros cursos online que incluyen el temario ya preparado y clases virtuales grabadas para poder verlas en el momento que prefieras, sin estar así, atad@ a ningún horario.

Cómo dibujar un cómic. Pasos a seguir

La historia del cómic tiene una larga trayectoria entre nosotros, desde nuestra infancia hasta la edad adulta. Si siempre te has sentido atraído por el mundo del cómic y tienes en mente grandes ideas para plasmarlas en papel, te ayudamos a definir y crear tu propio cómic. Piensa que es un trabajo complejo que requiere muchos pasos: crear una historia, personajes y, lo más importante, hacer que cobren vida en el dibujo.

Las bases para asentar un buen cómic

Antes de ponerse a dibujar como un loco, hay que pasar primero por una fase de reflexión. Un cómic es un libro que cuenta una historia, no es un solo dibujo. Por ese motivo, tienes que definir y determinar varios factores antes de empezar a dibujarlo:

  • Personajes: ¿quiénes son? Define sus características físicas, su personalidad, su estilo de vida, etc.
  • Tono: determina que tipo de cómic quieres comenzar. Si es humorístico, de aventura, de fantasía, manga, etc.
  • Tema: ¿cuál será el tema central y qué mensaje quieres transmitir con tu historia?
  • Argumento: este es un punto importante, ya que es el hilo conductor del cómic. Prevé con antelación cómo va a comenzar y terminar la historia. Además, define las principales escenas de la historia y algunas sorpresas.
  • Formato de cómic: puedes elegir entre crear una tira cómica con unas cuantas viñetas o varias páginas para explicar el argumento de la historia. ¡Tú eliges!

Una vez definidos todos estos elementos, podrás hacer tu storyboard. Cada viñeta debe representar una escena de la historia. Tienes la oportunidad para determinar la estructura general de la historia y hacer las modificaciones pertinentes. Por eso, es importante prestar especial atención a varios elementos:

  • Viñetas
  • Bocadillos donde incluirás los diálogos
  • Dirección de la lectura

Primer paso para dibujar un cómic: los personajes

Los personajes son la parte principal del cómic, ya que las historias giran alrededor suyo. Llega el momento que determines los personajes en tu mente antes de comenzar a dibujarlos. Deja que fluya tu imaginación, inspírate en tu alrededor e imagínate sus principales características teniendo en cuenta los siguientes aspectos:

  • Nombre del personaje, edad, sexo
  • Características físicas: alto o bajo, moreno o rubio, fuerte o delgado
  • Los rasgos de personalidad
  • Su historia personal: su pasado, su situación actual, experiencias, sus habilidades
  • Comportamiento: determinar actitudes y reacciones
  • Meta: cada personaje tiene un propósito en la historia

Una vez definidos todos estos aspectos, es el momento de dibujar los personajes. A medida que la historia avanza, también debes evolucionar a tus personajes: sus expresiones faciales, su lenguaje corporal y sus actitudes.

Define el estilo de cómic que tienes en mente

Lo importante es encontrar tu propio estilo. Te puede gustar el cómic realista, las caricaturas, los dibujos estilizados, etc. pero, ante todo, como autor debes desarrolla tu propio estilo. A continuación, cuatro pinceladas de las principales categorías:

  • Aventuras. El género de acción es de los más populares
  • Bélico. Hazañas con espíritu de la segunda Guerra Mundial
  • Humorístico. Género muy variado
  • Costumbrista. Muy arraigado con el género cómico, por ejemplo, las tiras cómicas de Mafalda
  • Deportivo. Relatos breves inspirados en la vida real de deportistas
  • Fantástico. Los cómics fantásticos y sus héroes luchan y triunfan siempre
  • De terror. Intentan provocar sensaciones de miedo, disgusto, repugnancia u horror
  • Manga. Nacido en Japón e inspirado en personajes de dibujos animados

Ahora que ya tienes una historia en mente y los personajes, ¡solo queda ponerte manos a la obra y empezar a dibujar! Puedes hacerlo a lápiz para poder borrar o corregir lo que quieras, para luego pasar a la fase de entintado y pintado. ¡Da rienda suelta a tu creatividad y disfruta del proceso!

Cosas sorprendentes que no sabías de Los Pitufos

Los famosos Pitufos, o suspiritos azules según su archienemigo Gargamel, son transparentes en su forma de ser. Los propios nombres hablan de cómo es su personalidad: Pitufo Gruñón, Tontín, Chistoso, etc. A continuación, os develamos algunas incógnitas alrededor de estos pequeños seres azules que hicieron furor en los años 80.

El significado de su nombre

La historia de Los Pitufos surgió cuando su creador, Pierre Culliford, fue a almorzar con un compañero dibujante de historietas, André Franquin. En medio de su conversación, le pidió el salero para su comida, pero se quedó en blanco y no supo decir sal. En cambio, soltó la palabra «schtroumpf». A partir de ese momento, bromearon toda la comida con esa palabra diferente. Así, cuando se dibujó por primera vez la tira en papel, los Pitufos (en inglés Smurfs) era los schtroumpf.

De los schtroumpf a los Smurfs o Pitufos

El francés es la lengua materna en Bélgica. La primera lengua a la que se tradujo la tira de papel fu al holandés. Pero Schtroumpfs no sonaba muy bien. Decidieron cambiarla por Smurfen, que sonaba mejor en los dos idiomas. Cuando el cómic llegó en inglés, se buscó una palabra que sonara mejor en el mundo anglosajón. La palabra «Smurfs» terminó por bautizar a estos pequeñitos seres azules.

El paso de papel secundario al protagonismo

Los Pitufos aparecieron como personajes secundarios en la tira de Johan y Pirluit, dos amigos que vivían aventuras en el mundo medieval. En el año 1958, los personajes de la tira cómica se centraron en buscar una flauta mágica, momento en el cual conocen a los Pitufos. Como su aparición fue un éxito rotundo, Pierre Culliford les escribió su propia tira en el año 1959. A pesar de que estos seres azules y Johan y Pirluit interactuaron en varias tiras cómicas, la secuela se centro básicamente en estos diminutos seres azules.

Sólo hay una Pitufina, ¿por qué?

En realidad, no existen las mujeres pitufo. Pitufina fue creada por el propio Gargamel. Todo residía como parte de un malvado plan para poner celosos a los pitufos. Este personaje femenino estaba hecho de arcilla y hechizos mágicos.

Sus gorros característicos significan …

Lo característica indumentaria que llevan los Pitufos en la cabeza no son nada más que gorros frigios o sombreros libertarios. En época romana, estos gorros lo utilizaban los esclavos que habían obtenido su libertad. Su evolución nos lleva a la revolución francesa que se usaban como manera de rebelarse contra la opresión de la revolución.

Con todo esto, podemos decir que los Pitufos, a parte de ser divertidos y representar a gran parte de la niñez de los años 80, también son algo así como un símbolo de la libertad.

Los mejores ilustradores de nuestra historia

Los mejores ilustradores son pasado y presente en el mundo de las artes gráficas. Se caracterizan por su sátira a la sociedad, su estilo grotesco, su surrealismo y sus macabras historias. Dentro de este estilo artístico minusvalorado, destacan en diferentes sectores de la ilustración: moda, ilustradores infantiles, dibujantes de cómic, artistas, humoristas, etc. En este artículo recogemos los mejores ilustradores del siglo XIX y XX.

Los mejores ilustradores que marcaron tendencia

Los ilustradores mas reconocidos se han hecho un hueco porque han influido a distintas generaciones y a distintos ámbitos de la creación: cine, diseño gráfico, editorial, publicidad, etc. A continuación, os dejamos con los ilustradores más influyentes.

Tom Schamp, Bélgica

Destaca en el mundo editorial, en especial por ilustrar libros infantiles. Creador de mundos propios, llenos de historias y objetos, con toques surrealistas. Además, destaca una clara influencia del mundo caribeño, con una estética naïf y gran colorido en sus obras. También ha realizado ilustraciones para revistas y periódicos.

Mark Ryden, Estados Unidos

Artista destacado en la escena Pop mundial. Su arte está lleno de guiños a la cultura Pop, con un toque surrealista, macabro e infantil. Su fuente de inspiración son los clásicos franceses y todo aquello que evoque misterio, juguetes viejos, modelos anatómicos, animales disecados, esqueletos y objetos religiosos. En sus obras recrea los miedos, el inconsciente, los sueños a través de una estética neoKitsch.

Gary Baseman

Fue creador de series de dibujos animados para Disney. Su estética es una combinación entre imágenes icónicas del arte Pop, motivos vintage, mitología y arquetipos psicológicos. Es una obra muy gráfica, con un estilo infantil gracias a sus trabajos anteriores con Disney.

Ray Caesar, Reino Unido

Con un estilo Surrealismo Pop, su obra no deja indiferente a la gente. Combina la ingenuidad y lo gore, con un mundo más realista, femenino y sensual. Su obra es totalmente digital, incorporando a la base texturas y formas, iluminaciones, sombras y reflejos. Presenta una extraordinaria perfección técnica donde se mezclan imágenes de humanos con monstruos o insectos con delicados coloridos.

Martin Jarrie, Francia

Especialista del mundo editorial infantil, ha hecho trabajos para periódicos como Le Monde o New Yorker. En su obra se aprecia una clara influencia del Surrealismo pictórico, pero con un resultado gráfico más colorista, plano e infantil.

Edward Gorey, Estados Unidos

Su obra ha marcado un antes y un después en el mundo de la ilustración. Ha sido referente para muchos otros artistas como el cineasta Tim Burton. Se diferencia del resto por la ausencia de la estética infantiloide, Pop e ingenua. Por el contrario, su obra es oscura y densa, asfixiante y en blanco y negro.

Bob Kane, Estados Unidos

Fue dibujante y escritor de cómics. Es considerado legalmente como el creador del superhéroe Batman para DC Comics. Con una estética Pop, contundente y desenfadada, fue inspirador de grandes artistas posteriores como Roy Lichtenstein. Su obra ha creado escuela, una nueva estética, la del cómic.

George Barbier, Francia

Este pintor es uno de los más importantes ilustradores del Art Decó en Francia. Es un icono dentro de la ilustración de moda. Este ilustrador se nutrió de la estética griega, las miniaturas indias y las obras de Aubrey Beardsley y Léon Bakst. Su estilo preciso y diligente es muy femenino, fresco y desenfadado.

Heinrich Kley, Alemania

Fue un caricaturista alemán reconocido. Sus dibujos destacan por estar realizados con pluma. Un estilo abierto e inacabado, humorístico y satírico, ideal para la crítica social y política.

 

Este recorrido por la historia de la ilustración, nos conduce a un mundo donde la imaginación y la creatividad fluyen a borbotones y el hilo narrativo es el surrealismo y la sátira hacia escenas de la sociedad pasada y actual.

Pósters de cine ilustrados que son puro arte

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Al cine se lo conoce popularmente como el séptimo arte. Esta designación surgió por primera vez de la boca de Riccioto Canudo en el año 1911. Y no es una casualidad que el séptimo arte adquiriera el último puesto de la lista, ya que en el cine caben todas las artes. El conjunto de todas (teatro, literatura, música, poesía, danza) crean la magia del cine. Hoy queremos centrarnos en la ilustración y la fotografía como elemento clave en el cine. No se si te habrás dado cuenta, pero las calles están llenas de pósters de cine ilustrados que, en muchas ocasiones, son verdaderas obras de arte.

Los mejores pósters de cine ilustrados

El siguiente listado quiere mostrar un ejemplo de pósters de cine ilustrados de todos los tiempos. ¿Con cuál te quedas tú?

Stoker (2013)

Es una creación de Empire Design. Este cartel cuenta una historia completa a partir de un minucioso trabajo de dibujo fruto de un lápiz, con un detalle milimetrado. En definitiva, es impresionante.

By the Sea (2015)

En el cartel de By the Sea destaca su fotografía, una creación de la compañía de Culver City. La cara de su actriz protagonista, Julianne Moore, queda difuminada con las olas de un mar naranja, como el color de su pelo. En el global, es una portada minimalista pero no por ello significa que no desprenda belleza delicada. Es un cartel que captura perfectamente la esencia de la película.

Walk the line (2005)

El póster de la película biográfica de la leyenda Johnny Cash está al nivel de lo que fue su vida y su música. Esta creación del Studio Number One captura perfectamente el espíritu rebelde de este cantautor americano.

Grindhouse (2007)

Este póster grita el espíritu Tarantino. Inspirado en el cómic, fue desarrollado por la productora cinematográfica Troublemaker Studios. La pena es que nunca llegó a ser el cartel oficial de la película; aun así, su resultado es espectacular.

V de Vendetta (2006)

La compañía Concept Arts es la creadora de la serie de carteles de esta revolucionaria película. Es uno de los mejores pósters cinematográficos que se han hecho en la historia porque se puede oler el olor a revolución, a cambio, a libertad.

The masque of the red death (1964)

Diseñada por el artista realista Reynold Brown en el 1964, destaca por los meticulosos detalles de la cara, formada por otros muchos personajes que a su vez tienen rostro y expresión.

Woody Allen’s “bananas” (1971)

Es una de las películas menos conocidas de este cineasta neoyorquino, pero el póster es uno de los mejores de Woody Allen. Es obra del dibujante e ilustrador americano Jack Davis. Sabe plasmar la excentricidad del director de la película.

Strange Brew (1983)

Impacta por el estilo caricaturesco y desenfadado del cartel. Su autor, John Solie, es reconocido por un estilo que cabalga entre el cómic y la revista editorial de los años 70.

Star Wars (1997)

El autor estrella de pósters de películas de Hollywood es Drew Struzan. Es archiconocido por ser el creador de los carteles de la saga de Star Wars, Indiana Jones, Regreso al Futuro o de Rambo. Cualquiera de sus carteles es una obra de arte.

Decorar huevos de Pascua con rotuladores POSCA

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La tradición de regalar huevos de Pascua se remonta a la época precristiana. Se encontraron huevos de avestruz pintados en tumbas sumerias y egipcias. Aunque se le relacione estrechamente a la Cuaresma, no hace falta ser cristiano o una persona religiosa para poder disfrutar del arte de la decoración de huevos de Pascua. Además, esta tradición de regalar huevos continúa en muchos países y familias del mundo.

No existe un estándar único o norma definida para pintarlos. Cada cultura desarrolló su propio modo de disfrutar esta tradición, convirtiendo estos huevos en simbólicas piezas de arte. Disfruta con estos consejos para poder elaborar tus propios huevos de Pascua y regalar a tus familiares y amigos.

Preparativos para hacer huevos de Pascua

El primer paso antes de decorar los huevos es elegir aquellos que sean uniformes de tamaño para empezar con el vaciado. Aunque por la fragilidad de la cáscara de huevo puede parecer complicado, lo cierto es que es mucho más sencillo de lo que parece. Ten paciencia, cierta pericia y un alfiler para hacer dos agujeros, uno en cada extremo del huevo.

A través de estos dos agujeros, vaciaremos el huevo. La clara es sencilla de extraer, pero para la yema necesitaremos más ayuda. La podemos romper con el alfiler con que hemos agujereado el huevo. Después solo tenemos que soplar de manera suave para vaciar completamente el huevo.

Una vez está vacío, se recomienda lavarlo por dentro. Lo más fácil y sencillo es sujetándolo debajo del grifo. Si la intención es que los huevos duren en el tiempo, se recomienda lavarlos de una manera especial. Un preparado de agua y alcohol es suficiente para eliminar cualquier resto que pueda pudrirlo a medio plazo.

Cómo decorar huevos de Pascua

Una vez tenemos la base preparada, llega la hora de decorarlos. Coloca el huevo sobre un soporte, lo ideal es una huevera, que nos permita pintar una mitad y después rematar la otra.

Os recomendamos utilizar rotuladores POSCA, por su amplia variedad de colores y de medidas de las puntas. Puedes encontrar desde los más finos (0,7 mm), ideales para perfilar y delinear, hasta los más gruesos (15 mm) para realizar trazos más gordos. Además, su pintura especial te permite dibujar sin miedo a que la pintura se corra. A continuación, te dejamos unos ejemplos de cómo podrías decorar tus huevos de Pascua para impresionar a todos tus invitados.

Ahora sólo tienes que decidir qué tipo de dibujo es el que quieres hacer y escoger entre toda la gama que ofrece Posca. ¡Deja volar la imaginación!

Leyendas y otras curiosidades de Walt Disney

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El cine de animación es lo que es hoy día gracias a Walter Elias Walt Disney. Fue un hombre con una visión adelantada a su época. Pero también envuelto de leyendas y otras curiosidades incluso después de su muerte. A continuación, os dejamos con aquellas que han provocado más controversia entre los fans de este visionario de la animación.

Leyendas y otras curiosidades de Walter Elias Walt Disney

Con su fallecimiento se extendió la historia de que su familia había decidido congelar su cuerpo. Estaban a la espera de encontrar la cura para el cáncer de pulmón que había acabado con su vida a los 65 años. Otras rumorologías fueron incluso más lejos; aseguraron que solo se había congelado su cabeza. Pero la realidad es que fue incinerado. Aunque alguna vez había hablado a favor de la criogenización, su familia ni se lo planteó. Otro rumor falso es su lugar de nacimiento. No nació en Almería, sino que nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901.

Más allá de leyendas y otras curiosidades, fue un genio y 52 años después de su muerte nadie ha superado sus logros.

Un total de 22 estatuillas Oscar en vida

Además de fundar la archiconocida compañía Walt Disney, se llevó los diez primeros Oscar al mejor corto de animación desde que se instauró el premio en 1931. A lo largo de sus 44 años de carrera logró 22 estatuillas, un récord que hoy día no ha sido superado por nadie.

Junto a su equipo creó personajes tan legendarios como Mickey Mouse, el pato Donald, Pluto o Goofy. Fueron las estrellas de los estudios que fundó junto a su hermano Ron en 1923, Disney Brother Studios.

Por encima de todo, fue un visionario del campo de la animación. Dedicó toda su vida, y más allá de las salas de cine, creó una serie de parques de atracciones alrededor del Mundo. Tildado de loco por sus decisiones empresariales, sabía ver más allá de la época en la que vivía.

Mickey Mouse fue el primero de muchos otros personajes para la historia

La apuesta por la animación sonora en 1928 fue todo un éxito. Creó un cortometraje protagonizado por Mickey Mouse. Éste se convertiría en su personaje más famoso y el que le proporcionó su primer Oscar honorífico en 1931.

En 1938 se llevó su segundo premio especial, en esta ocasión por el largometraje Blancanieves y los siete enanitos. Fue un proyecto descomunal para la época, en el que trabajaron más de 300 personas.

La adaptación de este cuento de los hermanos Grimm a las pantallas del cine fue el primer paso a otros éxitos de taquilla. Entre ellas destacan las historias de Pinocho (1940); Dumbo (1941); Bambi (1942); Cenicienta (1950); Alicia en el país de las maravillas (1951) o La bella durmiente (1959). También encontró el éxito con sus películas infantiles, pero con personajes reales e incluso una mezcla de animación y ficción. Mary Poppins (1964) abrió un camino diferente para los estudios Disney.

¿Qué significan los garabatos de los niños?

En muchas ocasiones no damos importancia a los garabatos de los niños porque pensamos que no expresan nada. No obstante, los garabatos son el paso previo al dibujo y la escritura y nos pueden dar información valiosa sobre la personalidad de los más pequeños.

¿Qué aspectos nos pueden dar información sobre los garabatos de los niños?

Hay diferentes factores que nos dan información sobre los garabatos de los más pequeños. La forma y el inicio y recorrido son algunos de ellos.

Inicio y recorrido del trazo

Tener en cuenta el punto de partida del lápiz o utensilio de escritura también es importante para saber qué es lo que los garabatos de los niños nos pueden decir de ellos. Los pequeños que empiezan a dibujar en el centro del papel se considera que son más egocéntricos que el resto. Es decir, según los estudiosos de la materia, son niños a los que les gusta llamar la atención.

Debemos tener presente que esta característica es común en la mayoría de niños pequeños. Y, por lo tanto, no es algo que deba preocuparnos. No obstante, si, cuando ya tienen más de 6 años está característica perdura, puede estar indicándonos poca aceptación y autoestima del niño.

Los niños que empiezan o centran sus garabatos en la parte derecha de la superficie se considera que tienen necesidad de autonomía. Es decir, nos encontramos ante niños y niños que anhelan ir hacia el futuro y no tienen miedo.

Contrariamente, aquellos pequeños que comienzan por el lado izquierdo se cree que están anclados al pasado. Esto supone, generalmente, que tienen miedo a salir del amparo familiar. Se recomienda animar a estos niños a practicar actividades que refuercen su seguridad y autonomía.

Ubicación

Los niños que dibujan en zona superior del papel o superficie de dibujo parece que tienen mayor predisposición a la creatividad y mayor capacidad intelectual.

Los niños y niñas que sitúan sus garabatos en la parte inferior de la superficie se dice que están buscando las raíces. Es decir, son niños que buscan la protección del hogar.

También hay niños que llenan toda la hoja con sus garabatos. Estos dibujos representan, según los expertos, revelan la generosidad y apertura del dibujante.

Forma

Según los expertos, los niños más extrovertidos, que acostumbran a ser sociables y tener buena relación con los demás niños, tienen tendencia a hacer garabatos redondeados. Son niños que, por lo general, son muy generosos y alegres, y, dotados de una gran curiosidad, acostumbran a tener muchos amigos de los cuales les gusta estar rodeados.

Por el contrario, los niños que tienden a realizar garabatos en los que predomina la angulación y, generalmente, se observan cambios de dirección repentinos, suelen ser introvertidos. Estos niños, según los especialistas en la materia, más tímidos tienen la necesidad de sentirse protegidos y seguros. Acostumbran a ser niños a los que no les gustan las confusiones y selectos con sus amigos y juegos.

Fido Dido, el personaje más carismático de los años 90

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Seguramente muchos recuerdan a Fido Dido, aquel personaje de bebida refrescante más carismático y desenfadado de los años 90. Su imagen fue tan popular que se podía ver en camisetas, gorras, tazas, llaveros, libretas, carpetas, pegatinas, chapas, etc. Incluso fue el protagonista de un videojuego y tuvo su propia línea de fijadores para el pelo, colonia, snacks y chucherías. Pero, ¿sabes de dónde salió este personaje?

¿Cuál es el origen de Fido Dido?

Fido Dido nació en 1985 en Nueva York en un ambiente impregnado por esencias artísticas como las de Keith Haring, Basquiat o Warhol. Nació gracias a la habilidad en el dibujo de Sue Rose y del ingenio de Joanna Ferrone.

El primer boceto se dibujó en una servilleta de una cafetería neoyorkina. Sus creadoras no se imaginaban el alcance que tendría su creación ya que Fido Dido se convirtió en uno de los iconos de la cultura pop. Rose le dio su aspecto físico inspirado en una amigo personal mientras que Ferrone le dio nombre y personalidad.

La época dorada de Fido Dido

No es hasta finales de los 80 y principios de los 90, que la fama de Fido Dido empezó a despuntar. Su pelo de pincho, su ropa ancha y sus zapatillas tipo Converse desatadas, pasaron a formar parte de la compañía PepsiCo. Ésta decidió retirar a sus antiguas mascotas por este personaje que dotaba de aire fresco y juvenil su imagen empresarial.

La marca 7Up estaba dirigida a los más jóvenes y necesitaba de un personaje que pudiera estar a su altura. Vieron en Fido Dido el perfil idóneo porque resumía todos los valores que estaban buscando.

La máxima repercusión de Fido Dido en los medios fueron los años 90. El personaje se dio a conocer en los spots de la marca presentándose como un personaje desenfadado, despreocupado, pasota y feliz. Su única preocupación era no quedarse sin su bebida favorita. El personaje y su filosofía de vida tuvieron tanto éxito que llegaron a venderse infinidad de productos de merchandising. Al perro Snoopy le había salido un competidor y era más divertido y gamberro.

Consecuencias del éxito del personaje más que de la marca

El éxito del personaje pasó factura a la marca en si. La popularidad del personaje tuvo más notoriedad que la propia marca provocando el llamado efecto distracción. El público prestaba más atención a la personalidad de Fido Dido que a la propia bebida que se anunciaba.

A finales de los años 90, PepsiCo dejó de utilizar a Fido Dido como embajador de la bebida 7Up. Su fugaz regreso fue en el 2004 cuando reapareció en su versión tridimensional para anunciar 7Up Ice.

En la actualidad, la aparición de Fido Dido queda relegada a series limitadas vintage de los productos que promocionaba.