Leyendas y otras curiosidades de Walt Disney

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El cine de animación es lo que es hoy día gracias a Walter Elias Walt Disney. Fue un hombre con una visión adelantada a su época. Pero también envuelto de leyendas y otras curiosidades incluso después de su muerte. A continuación, os dejamos con aquellas que han provocado más controversia entre los fans de este visionario de la animación.

Leyendas y otras curiosidades de Walter Elias Walt Disney

Con su fallecimiento se extendió la historia de que su familia había decidido congelar su cuerpo. Estaban a la espera de encontrar la cura para el cáncer de pulmón que había acabado con su vida a los 65 años. Otras rumorologías fueron incluso más lejos; aseguraron que solo se había congelado su cabeza. Pero la realidad es que fue incinerado. Aunque alguna vez había hablado a favor de la criogenización, su familia ni se lo planteó. Otro rumor falso es su lugar de nacimiento. No nació en Almería, sino que nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901.

Más allá de leyendas y otras curiosidades, fue un genio y 52 años después de su muerte nadie ha superado sus logros.

Un total de 22 estatuillas Oscar en vida

Además de fundar la archiconocida compañía Walt Disney, se llevó los diez primeros Oscar al mejor corto de animación desde que se instauró el premio en 1931. A lo largo de sus 44 años de carrera logró 22 estatuillas, un récord que hoy día no ha sido superado por nadie.

Junto a su equipo creó personajes tan legendarios como Mickey Mouse, el pato Donald, Pluto o Goofy. Fueron las estrellas de los estudios que fundó junto a su hermano Ron en 1923, Disney Brother Studios.

Por encima de todo, fue un visionario del campo de la animación. Dedicó toda su vida, y más allá de las salas de cine, creó una serie de parques de atracciones alrededor del Mundo. Tildado de loco por sus decisiones empresariales, sabía ver más allá de la época en la que vivía.

Mickey Mouse fue el primero de muchos otros personajes para la historia

La apuesta por la animación sonora en 1928 fue todo un éxito. Creó un cortometraje protagonizado por Mickey Mouse. Éste se convertiría en su personaje más famoso y el que le proporcionó su primer Oscar honorífico en 1931.

En 1938 se llevó su segundo premio especial, en esta ocasión por el largometraje Blancanieves y los siete enanitos. Fue un proyecto descomunal para la época, en el que trabajaron más de 300 personas.

La adaptación de este cuento de los hermanos Grimm a las pantallas del cine fue el primer paso a otros éxitos de taquilla. Entre ellas destacan las historias de Pinocho (1940); Dumbo (1941); Bambi (1942); Cenicienta (1950); Alicia en el país de las maravillas (1951) o La bella durmiente (1959). También encontró el éxito con sus películas infantiles, pero con personajes reales e incluso una mezcla de animación y ficción. Mary Poppins (1964) abrió un camino diferente para los estudios Disney.

Los mejores cómics ilustrados para niños

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Generalmente, el cómic siempre se ha dirigido hacia un público adulto, más maduro intelectualmente. Pero cada vez más se está acercando a los pequeños lectores y despertando su interés. Los cómics ilustrados infantiles merecen mucho la pena por su valor gráfico y por los valores que pretenden inculcar. Actualmente podemos disfrutar de cómics ilustrados especialmente diseñados para niños. Éstos tienen menos ilustraciones, menos texto, contenido adaptado a su edad y temáticas más amplias.

El cómic infantil como recurso didáctico

Los cómics ilustrados son un buen recurso educativo y, además, muy recomendable para el desarrollo de los niños. ¿Qué se consigue con la introducción de los cómics en la educación de los niños?

  • Para los niños es más fácil seguir la historia con viñetas secuenciales.
  • Al haber más imagen, se facilita la comprensión lectora.
  • Los cómics suelen ser más expresivos.
  • El dinamismo de los cómics permite a los niños mejorar su imaginación y la capacidad de resolver problemas.
  • Favorece la expresión oral, escrita y artística.
  • Desarrolla la visión espacial y del uso del color.
  • Enriquecen su vocabulario.
  • Permiten la concentración del niño en una actividad divertida.
  • El niño lee y se engancha a la lectura.

Los mejores cómics ilustrados infantiles

No hay una edad establecida para empezar a leer cómics infantiles. A continuación, queremos hablar de un listado de cómics ilustrados; ¡pequeñas joyas para despertar la imaginación de los niños!

Mi primer cómic 3+, 6+ y 9+ de Mamut Cómics.

Es una colección que gusta tanto a niños como a mayores. En esta colección 3+, los cómics tienen máximo 6 viñetas por página y son historias sin texto. Los cómics más divertidos de esta editorial son: La Caca Mágica o Barbosa el pirata. Para los niños a partir de 6+, los cómics llevan máximo 6 viñetas por página y tienen texto, con frases cortas. Para los niños a partir de 9+, las historias son más complejas, con más texto y con temáticas diversas. La saga más famosa para los lectores de esta edad es Supertata, aunque merecen especial mención Marcopola y Astroratón.

Cómics Wistiti de Mamut Cómics

Estos libros, mitad cómic mitad cuento, son de lectura sencilla, divertida, ingeniosa, ideal para lectores desde unos 3-4 años. Contienen poco texto y, como sus ilustraciones son preciosas, invita a los niños a participar activamente en su lectura. Los más divertidos son: Mia y Puik, ¡día de pesca!

Colección Ana y Froga

Estos cómics relatan las aventuras diarias de un grupo de amigos con una niña como su protagonista, Ana. Es una colección original y divertida. Los niños pueden leerla con facilidad, gracias a la letra ligada, y muchos se parten de la risa.

Las aventuras de Fede y Tomate de Dibbuks

Fede y su gato forman un dúo perfecto, que viven aventuras divertidas y tiernas. Están escritos en mayúsculas, con poco texto y 4-5 viñetas por página.

Hilda y el Trol

Es una joya de la literatura infantil. El personaje de Hilda es mágico e invita al lector a vivir en su mundo irreal pero fantástico.

Lucy y Andy Neandertal

Más que un cómic es una novela gráfica, muy entretenida. Apta para todos los públicos y que, de manera divertida, permite aprender sobre la vida de los Neandertales.

Súper Jaime de la Tribu Ediciones

Jaime es un niño aparentemente normal, pero cuando algo no le gusta, saca su capa de súper héroe y lo arregla todo. Son historias coloridas, con humor y buenos valores. Perfectos para niños desde 5-6 años en adelante. Los dos títulos publicados son: Súper Jaime y Súper Jaime en la playa.

¿Es lo mismo la tinta y la pintura?

¿Sabías que los rotuladores Posca contienen pintura y no tinta? Somos muchos los que no distinguimos la diferencia entre la tinta y la pintura, pero ésta existe y en este artículo vamos a explicarte en qué consiste. ¡No te acostarás sin saber una cosa más!

¿Podemos decir que es lo mismo la tinta y la pintura?

Tanto la pintura como la tinta funcionan como agentes de color, pero su diferencia básica y primordial es que la pintura da protección de color en superficies como techo, paredes, cerámica, etc. La tinta, por lo contrario, se usa, en el ámbito del diseño y, también del arte, en la impresión. Además, de obviamente, para escribir y, en muchas ocasiones, también para dibujar.

Diferencias entre tinta y pintura

Diferentes agentes de color

Una de las diferencias entre las pinturas y las tintas es que tienen diferentes agentes de color. En la pintura es fundamental es pigmento. Éste, cuya finalidad es aportar color, puede ser orgánico, como la cochinilla; mineral, como el cobalto o sintético, como, por ejemplo, el carbonato de plomo.

La tinta, y muy concretamente la tinta china, fluye a través del papel. Contrariamente, un esmalte sintético con base de látex, por ejemplo, se pega a la superficie; no la penetra.

Diferentes procedimientos de color

La tinta, tal como hemos dejado intuir en el anterior apartado, remoja la superficie que, en el caso del dibujo, se quiere colorear. Por el contrario, la pintura lo que hace es cubrir la superficie, no penetrarla. Esto hace que, en ocasiones, la pintura debilite la superficie que cubre; cosa que nunca sucede con la tinta.

Esto es debido a que la pintura contiene unos aglutinantes, entre los que podemos citar algunos tan conocidos como el agua, el huevo o el aceite, que se encargan de hacer que los pigmentos se fijen en la superficie que queremos pintar. Es por ello por lo que hay pinturas como el óleo que se puede aplicar con espátula. Y, por el contrario, la tinta china, volviendo al ejemplo de antes, es totalmente líquida.

Protección de superficie

La pintura, al ofrecer a la superficie una cubierta protectora, le evita la erosión y el deterioro por agentes externos como la lluvia. La tinta no ofrece esta protección.

Fido Dido, el personaje más carismático de los años 90

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Seguramente muchos recuerdan a Fido Dido, aquel personaje de bebida refrescante más carismático y desenfadado de los años 90. Su imagen fue tan popular que se podía ver en camisetas, gorras, tazas, llaveros, libretas, carpetas, pegatinas, chapas, etc. Incluso fue el protagonista de un videojuego y tuvo su propia línea de fijadores para el pelo, colonia, snacks y chucherías. Pero, ¿sabes de dónde salió este personaje?

¿Cuál es el origen de Fido Dido?

Fido Dido nació en 1985 en Nueva York en un ambiente impregnado por esencias artísticas como las de Keith Haring, Basquiat o Warhol. Nació gracias a la habilidad en el dibujo de Sue Rose y del ingenio de Joanna Ferrone.

El primer boceto se dibujó en una servilleta de una cafetería neoyorkina. Sus creadoras no se imaginaban el alcance que tendría su creación ya que Fido Dido se convirtió en uno de los iconos de la cultura pop. Rose le dio su aspecto físico inspirado en una amigo personal mientras que Ferrone le dio nombre y personalidad.

La época dorada de Fido Dido

No es hasta finales de los 80 y principios de los 90, que la fama de Fido Dido empezó a despuntar. Su pelo de pincho, su ropa ancha y sus zapatillas tipo Converse desatadas, pasaron a formar parte de la compañía PepsiCo. Ésta decidió retirar a sus antiguas mascotas por este personaje que dotaba de aire fresco y juvenil su imagen empresarial.

La marca 7Up estaba dirigida a los más jóvenes y necesitaba de un personaje que pudiera estar a su altura. Vieron en Fido Dido el perfil idóneo porque resumía todos los valores que estaban buscando.

La máxima repercusión de Fido Dido en los medios fueron los años 90. El personaje se dio a conocer en los spots de la marca presentándose como un personaje desenfadado, despreocupado, pasota y feliz. Su única preocupación era no quedarse sin su bebida favorita. El personaje y su filosofía de vida tuvieron tanto éxito que llegaron a venderse infinidad de productos de merchandising. Al perro Snoopy le había salido un competidor y era más divertido y gamberro.

Consecuencias del éxito del personaje más que de la marca

El éxito del personaje pasó factura a la marca en si. La popularidad del personaje tuvo más notoriedad que la propia marca provocando el llamado efecto distracción. El público prestaba más atención a la personalidad de Fido Dido que a la propia bebida que se anunciaba.

A finales de los años 90, PepsiCo dejó de utilizar a Fido Dido como embajador de la bebida 7Up. Su fugaz regreso fue en el 2004 cuando reapareció en su versión tridimensional para anunciar 7Up Ice.

En la actualidad, la aparición de Fido Dido queda relegada a series limitadas vintage de los productos que promocionaba.

Vincent Van Gogh y la evolución del trazo de su dibujo

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Vicent Van Gogh es un pintor prolífico ya que en tan sólo 10 años de carrera, llegó a pintar alrededor de 900 cuadros (27 de ellos autorretratos); 1.600 dibujos y escribió 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo. El trazo de su dibujo en toda su obra es una de señas principales, un trazo nervioso, sinuoso e inquietante.

Van Gogh es considerado el pintor holandés más importante del post impresionismo.

El trazo de su dibujo en el comienzo de su obra

La obra de Van Gogh se inicia con una pintura de tonos oscuros y de profunda humanidad. Más adelante tuvo contacto con otros artistas impresionistas (Émile Bernard y Toulouse Lautrec) y el arte japonés, entonces su pintura se volvió más clara y transparente.

Cuando se mudó a la Provenza, realizó numerosos paisajes e interiores, donde resalta una pincelada sinuosa, como el cuadro “El campo de trigo amarillo”, y multitud de retratos, donde la muestra más significativa es “Autorretrato” con la oreja cortada.

A la edad de treinta y tres años, Vincent, con su hermano Theo, se fue a vivir a París. En esa ciudad, visitó todos los museos y entabló relación con varios pintores de la época. Así pudo ampliar sus conocimientos pictóricos, lo que se reflejó en una perfección de su técnica.

Fue en esta etapa cuando empezó a utilizar un trazo grueso y vigoroso, añadiendo en sus pinceladas puntos, rayas y pequeños cuadros y, sobre todo, adoptó los colores puros. El paisaje con colores vivos le cautivó, y realizó del mismo unos doscientos cuadros muy hermosos, incluidos “Los Girasoles” y la “La noche estrellada”.

El trazo de su dibujo al final de su etapa

Cuando definitivamente optó por trasladarse a vivir al sur de Francia, se quedó deslumbrado resplandor del sol en los campos dorados, el intenso azul del cielo y el brillo de las estrellas durante la noche. Esto le hizo recordar que en un pasado fue un niño lleno de vitalidad y todo este sentimiento se reflejó en sus pinturas posteriores.

Sus pinceladas fueron cada vez más vigorosas transmitiendo la sensación que los objetos plasmados tenían movimiento propio, como si estuvieran animados por emociones. Su paleta se fue ampliando con colores más vivos, y en ella empezó a mezclar el verde con el rojo, el violeta con el amarillo, el azul con el naranja. Su colorido guardaba poca relación con la realidad, pero era su propia creación.

Van Gogh volcó toda su vida en una obra pictórica que después de muerto le daría el reconocimiento merecido.

Van Gogh, un pintor incomprendido

Las tendencias autodestructivas hacia su persona y un carácter introvertido llevaron a Van Gogh al borde de la locura en las últimas etapas de su vida. Su único y verdadero amigo fue su hermano Theo.

Parece que Van Gogh empezó a encontrar la luz al final del túnel durante su última etapa como pintor en el sur de Francia, en la que los campos de Arles le proporcionaron un espíritu más constructivo.

Aún así, el pintor pensaba que la marginación era una condición para alcanzar la grandeza artística. De hecho su experiencia encerrado en su propio mundo le proporcionó un estilo ágil y violento, con una personalidad arrebatadora y exagerada. En su obra buscaba todo lo contrario al camino marcado durante toda su vida.

¿Existe alguna diferencia entre graffiti y street art?

Hay un gran debate sobre la diferencia entre graffiti y street art. Nos encontramos corrientes que defienden que uno es la evolución de otro y, en el otro extremo, algunas que consideran que es una ofensa comparar estas dos formas de expresión que tiene en común que utilizan las paredes de la ciudad u otras superficies urbanas.

En este artículo vamos a ver si las diferencias entre graffiti y street art, disciplina a la que ya le dedicamos un post, existen realmente.

Qué es el graffiti

Los expertos sitúan las diferencias básicas entre el graffiti y el street art en las técnicas utilizadas y en la finalidad.

El graffiti viene de muy atrás. Hay quien afirma que es el plural de la palabra italiana “graficar” cuyo significado es dibujos, patrones, marcas, garabatos o mensajes pintados, tallados o escritos en la pared o en cualquier superficie, preferiblemente que forme parte del escenario urbano. Otra acepción de esta palabra es arañar. En este sentido, hay quien argumenta que las pinturas rupestres podrían ser consideradas graffitis.

No sabemos si es así, pero sí que podemos afirmar que el graffiti es mucho más antiguo que el street art y que, muy seguramente, lo que lo ha hecho perdurar hasta la actualidad es su componente cultural. Y es que este aspecto cultural del graffiti tiene que ver muchos desde el mensaje con carga política en sus orígenes así como los procesos sociales que llevan a la formación de pandillas. Palabras como vandalismo, ilegalidad y protesta acostumbran a aparecer siempre que hacemos referencia al graffiti.

En lo referente a la técnica, usa, como veremos en el siguiente apartado, muchas menos que el street art.

Qué es el street art

Como ya vimos en un post anterior, el street art tiene una finalidad más artística que el graffiti, cuyo objetivo tiene más que ver con la política y la protesta social -a pesar de que también existe sreet art que tiene como finalidad la crítica social-.

Además, como ya hemos apuntado, el street art usa más técnicas que el graffiti. Entre las técnicas más utilizadas por esta práctica o disciplina se encuentra el mural, el esténcil, el sticker y el cartel.

A pesar de que se caracteriza, de la misma manera que el graffiti, por su ilegalidad, hay ocasiones en las que los murales son comisionados. Es decir, se hacen encargos a los artistas y se les paga por ello. Un ejemplo muy de moda son las obras de street art que se pueden encontrar en las persianas de los comercios de algunas ciudades.

Conclusión

Como hemos podido ver, es muy difícil establecer una diferencia entre estos dos tipos de disciplina o práctica porque las diferencias que existen entre ambas son de matiz mientras que las similitudes son más remarcables.

Quién es Banksy: teorías sobre la identidad del famoso ilustrador

Las ilustraciones de Banksy son mundialmente famosas. Seguro que muchos de vosotros habéis visto el mítico dibujo en el que una niña estira la mano para alcanzar un globo en forma de corazón u otras de sus obras. Pero nadie sabe a ciencia cierta quién es la persona que se halla detrás del pseudónimo del artista de street art Banksy.

Quién es Banksy. Qué sabemos de él

Según la Wikipedia el ilustrador que se esconde detrás del mundialmente famoso pseudónimo Bansky es británico. Nació en la localidad de Bristol en 1975. Estos datos provienen de su presencia en el documental “Salida de la tienda de regalos”, del año 2010, pero no están absolutamente contrastados.

Posteriormente, en 2016, un estudio de la universidad Queen Mary de Londres realizó un estudio en el que llegó a algunas de las siguientes conclusiones. El nombre de la persona que se encuentra detrás de este pseudónimo es Robin Gunnigham, es natural de Bristol y se creció con el boom del grafiti en los años 80.

Por otra parte, podemos destacar que los medios de comunicación, tratando de dar respuesta a quién es Banksy, han apuntado en más de una ocasión a que su nombre podría ser Robert o Robin Banks. Pero este nombre se considera que puede provenir de la similitud fonética de este nombre con “robbing banks” (robando bancos, en inglés).

Banksy y Massive Attack

A finales de veranos de 1996 varios medios de comunicación publicaron que la identidad de Banksy se encuentra ligada a Robert del Naja, miembro del grupo musical Massive Attack. Se llegó a esta conclusión porque Robert del Naja es también de Bristol y los murales que ha pintado Banksy en diferentes partes del mundo coinciden, en muchas ocasiones, con conciertos de Massive Attack.

En esta misma línea, el pasado mes de julio Dj Goldie estrechó el cerco existente alrededor de Robert del Naja cuando en una entrevista se le preguntó sobre el tema, dijo el nombre de Robert, se quedó callado en unos segundos y decidió dar un giro a la conversación para seguir hablando de música. En este sentido, es significativo destacar que tanto Naja como Goldie habían trabajado como artistas de grafiti a finales de los ochenta.

No obstante, hay quien considera que no fue un error de Goldie sino que lo hizo para aumentar todavía más la incertidumbre sobre quién es Banksy.

Una breve pincelada de la obra de Banksy

Su trabajo, que combina el grafito con stencil –uso de plantillas- acostumbra a tener un marcado tono satírico y a centrarse en la política, la moralidad y, en general, lacras sociales. Comenzó su obra en las calles de Bristol entre los años 1992 y 1994 y en el 2000 hizo su primera exposición. Desde entonces ha realizado murales por todo el mundo.

Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: policías, ratas, lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas, soldados orinando, críticas al amor romántico, etc.

Street art: qué es y cómo y cuándo surge

Se considera Street art o arte urbano a cualquier tipo de arte que se realice en espacios públicos y, muy concretamente, en las calles de las grandes ciudades. Entre las técnicas más utilizadas por los artistas callejeros encontramos el grafiti, el esténcil, los stickers, los póster, la tiza, las proyecciones y las instalaciones.

Este tipo de arte, que no está exento de polémica porque hay que, lejos de considerarlo arte, lo considera vandalismo, tiene la finalidad de sorprender al espectador con mensajes que invitan a la reflexión, la crítica política o social u otros tipos de invitaciones subversivas.

Historia del Street art

En este apartado vamos hacer un breve repaso de los momentos históricos que se consideran más significativos en la historia de este arte que salió a buscar lugares de expresión fuera de los tradicionales y convencionales.

Dónde y cuándo nació

No es fácil determinar cuándo y dónde nació el Street art. Pero hay quien argumenta que los inicios de lo que se conoce como arte urbano se remontan a las pinturas rupestres prehistóricas en las cuevas. Por lo tanto, se puede considerar que los ejemplares más antiguos de arte urbano, y muy concretamente de grafiti, datan del 79 aC en la ciudad de Pompeya.

Evolución del Street art

No hay acuerdo sobre el lugar concreto en el que surgió el arte urbano puesto que el arte urbano, de la misma manera que sucede con casi todas las formas de arte existentes, surgió simultáneamente en diferentes partes del mundo. Pero la primera persona que se considera que utilizó las paredes de las ciudades como lienzo en el que plasmar su arte se considera que es Joseph Kyselak, que escribió su nombre a lo largo del imperio austro-húngaro a principio del siglo XIX.

Otro precedente se considera que son los símbolos que usaban los vagabundos de Estados Unidos e Inglaterra para comunicarse entre ellos. Esta forma de expresión, conocida como “boxcar”, se inició hacia 1890 y todavía se sigue utilizando en la actualidad.

El arte urbano también se ha utilizado en múltiples ocasiones como medio de propaganda política. La técnica más utilizada en este caso es el esténcil y ha sido utilizando tanto por el fascismo como en el famoso mayo del 68 francés.

Los carteles también se usaron mucho durante la década de los 60 del año pasado puesto que son un sistema de fácil reproducción.

Arte urbano moderno

El arte urbano se consolidó en los años 60 y estalló en la de los 90, que fue cuando se acuñó el término Street art. Es una de las revoluciones artísticas más grandes de finales del siglo XX.